古驰艺术总监朋友圈
① 只要 78 元，这可能是年轻人的第一件 Gucci
继虚拟偶像、虚拟服装、虚拟艺术品之后，虚拟运动鞋也来了。
最近，奢侈品牌 Gucci 发布了他们的首款数字虚拟运动鞋：Gucci Virtual 25。
不过与最近很火的 NFT 数字艺术品不同，这双鞋不能转售，只能在线上世界穿。
但它可能是 Gucci 有史以来最便宜的一双鞋，只要 78 元。
这双鞋由 Gucci 的创意总监 Alessandro Michele 设计，AR 技术营销公司 Wanna.Fashion 与 Gucci 共同打造。
它的外观只有一种霓虹配色，以荧光绿为主，粉红天蓝相称，据称配色灵感来自于 80 年代，是 Gucci 一向喜欢的复古美学风。
鞋舌和鞋底，则各带有 Gucci 标志性的 Logo。
它的鞋带采取了转盘收缩的形式，省去了在虚拟世界还要系鞋带的麻烦。
之前很多平台已经可以通过 AR 技术在线试穿鞋子，在 Wanna.Fashion 平台上，也已有耐克、阿迪达斯、锐步等多个运动品牌产品的虚拟体验。
但 Gucci 这双鞋是首双付费才能体验的虚拟鞋。
也就是说，只有买了才能穿。这也阻止了那些试穿截图，假装自己拥有这款虚拟鞋的消费者 —— 虚拟体验也是要付费的。
买了之后，你就可以穿上它拍照或录制小视频，然后分享出去。毕竟在线分享，是虚拟产品对于当代年轻人最大的吸引力之一。
比起之前的虚拟产品，Gucci 这双鞋在互联网里的使用场景也更广了。
它不仅可以在 Gucci app 里面使用，还可以在 VR 社交平台 VR Chat，以及 游戏 平台 Roblox 里穿，就像 游戏 里的一层“皮肤”。
如果你只是想体验一下穿 Gucci 虚拟鞋的感觉，也不是不可以。
在 Gucci app 里，还新建了一个虚拟互动运动鞋专区“Gucci Sneaker Garage”，这里还有多款虚拟鞋可以试穿，包括 Screener 系列、Tennis 1977 系列、Rhyton 系列等等。
Gucci 也把这里打造成了一个小型的虚拟互动社区。
你还可以挑选自己喜欢的 Gucci 元素、颜色、零件等，自定义一双专属的 Gucci 运动鞋，再上传到虚拟的“Gucci 鞋库”里。
而能够买的 Gucci Virtual 25，喊着“通过数字化，让人人都能体验 时尚 ”的口号，也遭到了一些消费者的吐槽。
时尚 杂志《W》直接喷道：
但就算 Gucci 这双鞋只是个“滤镜”，也依然是要花钱买的滤镜……
这已经不是 Gucci 第一次涉足虚拟 时尚 了。
早在前年，Gucci 就和 Snapchat 合作，推出了智能太阳眼镜 Spectacles 3 的限量版，用眼镜就可以拍 3D 视频。
虚拟试鞋领域其实 Gucci 也走在了前头，Gucci 也是首个为 Snapchat AR 推出滤镜的品牌。
从去年开始，Gucci 在虚拟数字产品和项目的投入变得更加多元了。
2020 年年底，Gucci 直接通过 AR 技术发布新的香水 Profumo di Fiori，有意思的是，人们可以通过在线的虚拟体验 游戏 来“闻”到香水味。
虽然不是真的闻到，但当 Fade Into You 这首歌悠扬飘来，玩家在绿树成荫的古堡中穿行，找到香水拿起时，对应香型的漫天玫瑰洒落，身上好像还真有股它的香水味了。
而 Gucci 的虚拟产品集大成处，还是在 Gucci app 里。
在这里打开摄像头，你就可以试穿 Gucci 的鞋、腕表、眼镜、帽子、面具、唇膏，甚至家居饰品等等。
为了进一步开发虚拟体验，它们去年和虚拟形象 科技 公司 Genies 合作，让人们也能够创建一个自己的虚拟 时尚 形象，然后为它打扮。在 游戏 平台 Roblox 里，同样可以购买来自 Gucci 的 50 多款衣服和配饰。
眼看着 Gucci 的虚拟产品风生水起，各大奢侈品巨头们也没有落下脚步，甚至可以说他们几乎并驾齐驱。
早在 2011 年，很多人还对 VR 和 AR 没有概念时，Burberry 就豪掷千万美金，办了一场 3D 全息走秀，全场除了 6 名真模特其余全是“假人”。
那时候，虚拟 时尚 还刚刚点燃火苗。2016 年，VR 迎来了它的鼎盛元年，但很快又走入不温不火，真正让虚拟现实再次火起来，还是因为疫情的推动。
疫情期间，大量线下活动取消，于是 Prada 把 2020 早春女装时装秀的场地全景制造成 VR 实景，让大家一起在线上看秀。
这也让奢侈品牌的秀场变得更加“平民化”，粉丝或路人都能在线上一探大型秀场的风姿。
爱马仕、香奈儿、巴黎世家去年参加的巴黎时装周期间的 时尚 峰会，也用虚拟现实会议的形式来呈现，让人们在线买票、在线参与。
Dior 更是放了个大招，直接开了一家虚拟美容专卖店。
用户进店时，大概的流程就像是 —— 从法国南部的 La Colle Noire 城堡走进店铺，然后陆续浏览不同位置的不同商品，喜欢就可以 360 查看它的信息和视频，想买就直接下单。
为了提高品牌的吸引力，Dior 前年就在 Instgram 上推出了用 AR 太阳镜，以及 “3Dior 彩妆”的 AR 滤镜，晶莹的亮片漂浮在用户脸上的新奇效果，也在 Instgram 上掀起了一阵病毒式传播。
Dior 数字和零售领域的独立顾问 Charles Bianchi 表示，疫情正加速着网店的体验和发展，Dior 未来甚至会在虚拟店铺使用全息图和专门的客户服务，让人们数字购物更身临其境。
的确，在过去一年疫情的打压下，奢侈品巨头们除了爱马仕几乎“全军覆没”，LV、Gucci、Dior 等品牌都进入了寒冬期。
LV 母公司 LVMH 集团 2020 财年营收下滑 17% 至 446.5 亿欧元，Gucci 母公司开云集团 2020 财年销售额大跌 17.5% 至 131 亿欧元，因此虚拟 时尚 也成了他们发力的重大战场。
不过，疫情终究有结束的一天，而虚拟 时尚 却会越来越火。
引领着 时尚 趋势的奢侈品巨头们，自然不会放过新的虚拟趋势。
所以，他们在疫情之前就都开始有所动作，疫情只是加速他们开发新的虚拟产品和虚拟销售场景，这些奢侈品牌真正盯上的，是新一代消费者的钱包。
Z 世代（1995-2009 年间出生）毫无疑问是数字原住民，他们 50% 以上的时间在网上度过，虚拟社交和虚拟 娱乐 也成为他们的主流爱好。
不过现在他们很多人还买不起实际的奢侈品，但这不影响他们在互联网社交平台追捧新的潮流风向。
此前计算机技术合成的网红 Lil Miquela 就曾风靡互联网，Instagram 上粉丝数高达 304 万。
她参加 Chanel、Burberry 的大片拍摄，现身名流云集的米兰时装周，参加各类 社会 议题讨论，成为 Z 世代新的偶像。
虚拟偶像只是新兴的虚拟世界中的一环， 游戏 才是虚拟市场目前最大的发力空间。
为了占据着年轻市场，以及未来市场，奢侈品牌已经在 游戏 平台上大施拳脚。
2019 年，LV 尝试和《最终幻想》《英雄联盟》等 游戏 联名，打破了 时尚 和电竞的壁垒。他们在《英雄联盟》中开发了定制皮肤和虚拟 LV 奖杯，这也被戏称为年轻人 游戏 里的“第一件奢侈品”。
今年 1 月，Gucci 也和《宝可梦 GO》以及户外品牌 The North Face 合作，让 游戏 里的虚拟人物也能穿上 Gucci 的 T 恤、帽子、背包，掀起了一股虚拟 时尚 的波澜。
当然也有不用钱的玩法。动物森友会去年火起来的时候，玩家们纷纷在 游戏 里复刻那些现实生活暂时消费不起的 LV、Gucci、Burberry 等大牌产品，转身就成为 游戏 和朋友圈里最闪亮的弄潮儿。
当你在虚拟世界中体验到了 时尚 所带来的“光环”，也会在现实中对它们更加向往。
对于各大 时尚 品牌来说，消费者在虚拟世界和他们的产品交互，也就与品牌产生了更多 情感 上的联结。
借助数字化转变，这些品牌将在年轻一代消费者中刷新他们的品牌形象，也将获取更多注意力与流量。
AR 营销平台 Wanna 的首席执行官 Sergey Arkhangelskiy 近日接受采访时也表示：
2019 年，全球第一件虚拟衣服就在纽约 Ethereal Summit 区块链拍卖会上，卖出了 9500 美元的高价，用户提交照片后，The Fabricant 平台就将合成处理后为购买者“穿”上它。
一双曾被 PS 到马斯克脚上的虚拟鞋，也能被竞价者喊到 40000 美元。
NFT 最近的火热，更是足以体现人们对数字藏品的高涨需求。
多位艺术家、音乐家、甚至 twitter 首席执行官 Jack Dorsey 都将其作品数字化然后高价出售，一段 10 秒钟的视频，就能卖出 660 万美元。
NFT 所代表的数字资产，具有独一无二、不可篡改、不可复制的特点。随着虚拟技术的发展，虚拟产品也会和现实产品一样，越来越受版权以及其他形式的保护。
10 秒视频作品 《十字路口》（Crossroad）
虚拟生活成为现实生活中至关重要的部分，是不可避免的趋势。
那时候的虚拟产品，就不止是一层“滤镜”，或者一层“皮肤”那么简单了。
法国思想家、导演 Guy Debord 曾在《景观 社会 》中说道：
这本书 1967 年出版时，批判的是资本主义 社会 的消费主义，而现在，虚拟世界将让新的“景观 社会 ”更加剧烈而疯狂。
但不同的是，虚拟的，也将会是落地的、独有的、真切存在的。
② 手术室、坟墓、提头秀到精神病院，Gucci消费了多少弱势群体
导读：从手术室、坟墓、提头走秀到精神病院，Gucci消费了多少弱势群体
各位点开这篇文章的朋友们，想必都是很高的颜值吧，我们真的是很有缘哦，我每天都会给大家带来不一样的 时尚 资讯，如果对我的文章或者其他的什么，有什么一些意见的话欢迎在下方积极评论哦，我每条都会认真看的。那么本期的内容是：从手术室、坟墓、提头走秀到精神病院，Gucci消费了多少弱势群体！那么我们就来看看吧！
观看墓上的表演并与石棺合作，是人类或幽灵出来；在走秀上，见面时，模特和客人有较大的心理阴影；模特儿在精神病院里戴着约束装置，但出人意料地遭到了公众抗议。回想一下近年来古驰（Gucci）吸引眼球和消费的各种弱势群体，难怪加拿大皇家银行的报告显示古驰（Gucci）三年来第一次在手袋和成衣的购买意向中跌出前五名。
最近，Gucci的2020春夏时装秀在Gucci米兰总部Gucci Hub举行。
与佛罗伦萨古典而梦幻的古奇花园不同，古奇中心具有强烈的现代工业建筑风格。它由一个六层的玻璃主体和成排的复古红砖房屋组成。新旧形式形成了强大的对比。
在创意总监亚历山德罗·米歇尔（Alessandro Michele）的领导下，这场表演就像一个无菌实验室。干净的风格与过去华丽古怪的Gucci截然不同。它看起来像一个无菌的实验室，整体如此简洁，以至于不是“正常”的。
自2015年亚历山德罗·米歇尔（Alessandro Michele）担任古驰（Gucci）创意总监以来，古驰（Gucci）发生了翻天覆地的变化，与过去的高级性感不同，他为古驰（Gucci）建立了复古而疯狂的美学体系，融合了中世纪到中世纪的古典艺术文艺复兴时期，将蛇，老虎，昆虫，外星人，神话人物等纳入设计之中。古奇的大量怪异元素和符号将古奇变成了一座拥有稀有和珍贵宝藏的美术馆。更加敏捷的品牌文化使品牌赢得了大量的粉丝。
作为古驰（Gucci）邀请的唯一中国男艺人，小湛还穿上2020早春模特参加这次时装周秀。
在展会上，小湛以复古的外观，经典的咖啡色复古图案西服和红色的高领毛衣，双脚的Ultrapace运动鞋以及一个1955年的马衔扣包开启了自己的第一个时装周体验。整体外观非常抢眼。
更有意思的是，坐在小湛旁边的是韩国着名模特和演员李景成，两位都是 时尚 潮流的在线艺术家。这次李敬成穿着蓝色复古西装出现在节目中。完整的学术风格也使网民大喊：“就像打破立体墙一样！！”
大秀开始后，这些模特穿着类似于精神病院约束的纯白色连身裤，被传送带运送到会场，然后又陆续出现在Gucci 2020春夏系列中，但有趣的是时装秀开始时，穿着白色服装的模特Ayesha Tan-Jones在秀场开始时举起了双手，上面写着“精神 健康 不是 时尚 ”（Mental Health Is Not Fashion）。抗议Gucci的大型表演。
她认为，精神疾病尚未得到 社会 的理解和解决。这次Gucci选择使用精神病患者穿着的束缚服作为错误和令人反感的 时尚 符号。约束服装象征着精神病患者所遭受的身心痛苦。时装业应禁止滥用“精神 健康 ”的概念。
后来，古驰（Gucci）通过官方Instagram帐户回应说，这套服装的展示旨在突出该系列的主题，表达了与权力的斗争和对自我表达的捍卫。相关服装将不会投放市场。
在亚历山德罗·米歇尔（Alessandro Michele）的设计理念中，统一的精神病医院约束力是质疑由 时尚 主导的既定范例，这也可以摆脱纪律，就像一个模特穿着五颜六色的衣服走进恐怖病房一样，任何人都可以通过 时尚 逃避纪律和束缚，坚持自我意识的表达，并拥有更多的可能性。
但是作为 时尚 界的奢侈品巨头，Gucci独特的 社会 ，哲学和美学体系无法为所有人所接受和认可，模特Ayesha Tan-Jones的抗议实际上代表了某些人的愿望，这并不是Gucci第一次考虑弱势群体作为 时尚 消费者。
跟着 时尚 姐姐把时间向前推。还记得古驰（Gucci）在公墓举行的早春秀吗？在上个赛季的古驰（Gucci）度假胜地2019早春秀中，亚历山德罗·米歇尔（Alessandro Michele）直接在法国南部城市阿利斯坎普的古罗马公墓所在地选择了``死亡''主题。
进入演出的路边充满了古老的石棺，晚上的发布时间也很巧妙地选择，使整个演出充满了阴森恐怖的气氛。
说到爱丽斯康（Alicecom），自公元4世纪以来，已有许多名人流连忘返，石棺甚至可以堆放三层深。它也出现在但丁的《地狱》中。文森特·梵高（Vincent Van Gogh）也在1888年的这个时候居住。他还创作了四幅画，描绘了受Alicecom秋季风光启发的地方风光。
在墓地的生死禁区中，Gucci在设计中应用了与“地狱”相关的元素，无论是燃烧的“地狱”表演场，还是贯穿各处的交叉元素，对宗教文化的深入讨论，这些颠覆性的创造技术为每个人打开了无限的想象空间。
但是，地狱般的 时尚 并不是每个人都可以接受的，秀场上的模特们在华孚的火焰中漫步，就像黑德的使者们走过了这一生中凡人犯下的所有罪行和一切善行，然后漫步这也让人联想到加缪的名言：“只有一个真正严肃的哲学问题，那就是自杀。判断生活是否值得本身就是在回答哲学的根本问题。”根据世界卫生组织的报告，全世界每40秒就有一个人自杀。自杀一直是一个严肃而敏感的话题。
但这一次，古奇将禁忌直接带到了T台，不道德地设计了死亡与黑 社会 ，无论目的是纯正还是正确，只能说不同的人有不同的见解。
但是死亡的主张并不仅出现在初春的秀场上。在2018年的Gucci秋冬时装秀中，模特们头顶着双手穿过苍白的手术室的场景仍然生动。
去年，Gucci 2018秋冬发布会在米兰大本营Hub举行。T台被直接移到手术室，消毒剂的气味会在整个屏幕上闻到。
手术台放在整个舞台的中央，无影灯放在天花板上。甚至周围的客人座位都像医院的等候区一样。随着心电图仪的跳动，表演正式开始了。
亚历山德罗·米歇尔（Alessandro Michele）声称，设计大型展览的主题并不是要吓退人才，而是认为设计师和医生都需要在桌子上剪裁，拼接和试验。
几乎没有解释，但是看到下一幕，这位 时尚 姐姐真的不平静，我看到模特们显得冷漠，他们的头和手完全一样。太像了！
尽管已知这是一家特殊效果公司通过反转和3D打印技术制作的逼真的头骨模型，但是该比例的降低程度仍然令人困惑。
毫无疑问，亚历山德罗·米歇尔（Alessandro Michele）的加入确实为古驰（Gucci）带来了巨大的变化，然而，性别，种族，肤色，体重，身材，宗教，国籍，年龄，残疾，性取向等，都是在 时尚 圈中，这是一个敏感话题，需要品牌谨慎处理。事实证明，在诸如得分，在单个人群上消费等大肆宣传的行为在实践中是不受欢迎的。古奇这次在展会上遭受的公众抗议足以表明有些人如今，无论是哪个品牌，它都应该重新考虑自己对品牌文化的理解，不要因为眼球而做出不正当行为，并伤害无辜群体。
③ Gucci虎年广告用了真老虎，Gucci这么做引起了什么争议
为迎接中国虎年的到来，意大利奢侈品牌Gucci（古驰）推出了“Gucci Tiger”系列，本来想靠生肖主题吸引一波客户，却因为广告片里出现的真老虎引发了争议。据英国《独立报》网站当地时间1月16日报道，名为“世界动物保护协会（World Animal Protection）”的国际性非营利动物保护组织指责Gucci称，此举是在美化圈养野生动物、传递将野生动物商品化的错误信息。
该组织新西兰分部在脸书发文称，即使Gucci使用了数字技术将老虎加进模特出现的广告里，该品牌也传递了错误的信息，把本应该属于自然的野生动物描绘成了宠物和奢侈品。该组织新西兰分部还称，无论是圈养的还是从野外捕获的，这些老虎被迫摆姿势拍照时所承受的压力都是巨大的。Gucci的广告把老虎描绘成拍照道具，这会鼓励消费者以同样有害的方式对待老虎。
④ 买个gucci的包怎么发朋友圈
买个gucci的包发朋友圈的方法：
1、我通过自己的努力，我得到了这所有的一切，我买到了gucci包，我真的为我自己而感到骄傲！
2、我最终没有辜负自己的人生，别人有的我也会有，我买了gucci，我觉得只有这样才能见证我世界的成功！
3、我通过自己的努力而得到自己人生想要的一切，我买了gucci，我觉得只有这样才能见证我所有的能力！
4、这大概就是我所有的开心，也是我人生当中所有快乐的地方，我买了gucci，只有这样才能证明自己的努力，而得到的回报！
5、我一直在努力的工作，努力的挣钱当中，我买了gucci，我觉得只有这样才能体会到自己人生当中所有的快乐！
6、我通过自己的努力，我终于做到了，我买了gucci，我觉得只有这样才能体会自己坚持的内心！
⑤ “特写”花好几万买不能穿上真身的NFT奢侈品，是我人傻钱多
最近响沙把微信头像换成了一张数字画像。这幅奇奇怪怪的头像立刻引来母亲的问询。响沙本想故弄玄虚一番，但即刻又忍不住透露玄机：“这头像可值不少钱呢。”微信那一头的母亲一时语塞，面对这个被儿子称为“NFT”的东西摸不着头脑。
NFT即“非同质化代币”，与其对立的是虚拟货币等同质化代币（FT），二者皆为区块链领域特别重要的概念。根据《柯林斯英文词典》（ Collins English Dictionary ）定义，NFT是“一种在区块链中注册的独特数字证书，用于记录艺术品或收藏品等资产的所有权。”理论上来说， 每个NFT是独一无二、不可替换和不可拆分的。
有人会以为这就是一种虚拟图像产品，时髦也有趣。比如在 时尚 行业工作的雨果最近也换上了一个数字头像。那看起来很像明星余文乐之前大力推荐的NFT项目“CryptoPunks”。CryptoPunks项目包含1000个画作。雨果的头像虽然跟这些画作十分接近，却不是其中的任何一个。雨果说这幅数字画作是朋友送的，他觉得好玩就用来做头像。
但这件事情在杨工看来，体现了当前NFT市场对买家的“不友好”。杨工从事文创和艺术营销工作，观望NFT市场有一年多了，最近花了将近2000元人民币买了一张NFT狐狸画像。
杨工之所以一直观望这个市场正是出于对于买家权益保护的担忧。这种都担忧基于他对NFT的理解。
在他看来，NFT通俗一点来说就像是在虚拟世界给你的资产盖了一个“戳”，以证明这个产权归属于你。这个“盖戳”的过程还有一个更地道的行话——“上链”。
比如，Gucci古驰创意总监Alessandro Michele创作的一个4分钟短片被上了链，就成为一个NFT数字藏品，后来还被拍卖行佳士得放到线上拍卖。
NFT的交易必须在区块链上进行，在此的所有NFT数字藏品的 历史 交易记录、 历史 产权所有和版权所有都是公开透明的。这既保护了艺术版权所有者，又约束了产权所有者。
但现在的情况是，NFT数字藏品的创作者们好歹在每一次买卖中收获了版权费，而支付了真金白银的买家很难保障自己那份“独一无二”的权益，尤其是在区块链之外。
这问题一时半会儿也解决不了，归根结底还是由于“元宇宙”发展尚在早期，参与NFT的人仍在少数，版权保护机制约束的也只有在链上的玩家。可即便如此，NFT还是成为2021年最新鲜热辣的流行词汇。
《柯林斯英文词典》最新数据显示，“NFT”的使用频率在过去一年暴涨了11000%，人们对它的讨论度甚至超过新冠疫情。虽然NFT带来的影响能够持续多久是个未知数，但艺术、 科技 和商业等各行各业的投入已经说明了其前景被广泛看好。
在奢侈品领域，一些敢为人先的品牌已经采取了行动。在整个2021年，前文提到的Gucci古驰，还有Louis Vuitton路易威登、Balenciaga巴黎世家、Burberry博柏利、Versace范思哲、 Givenchy纪梵希、Balmain等多个知名奢侈品牌均以各自方式参与到NFT当中。
现在距离2021年结束还有一个月，但奢侈品行业深度参与“元宇宙”的趋势已经日趋明朗化。就在12月初，消息传来称，意大利 时尚 集团OTB（Marni和Maison Margiala等时装和设计师品牌的母公司），以及法国开云集团（Kering）（古驰和巴黎世家等奢侈品牌的母公司）已经在内部组建全新团队，支持旗下品牌开发“元宇宙”概念产品和内容，这当然就包括最为火爆的NFT。
有趣的是，截止到目前， 游戏 UGC平台是奢侈品牌选择发售品牌NFT商品的主要场景。不同于传统 游戏 ， 游戏 UGC平台内的用户既是玩家，也可以做开发者，在 游戏 内生产内容和形成社交网络，共同构建一个虚拟的 游戏 世界。
这样的 游戏 内容生产方式是去中心化、自下而上的。在这一模式下，平台往往通过 游戏 里的虚拟道具和增值服务收费。这给了奢侈品牌切入NFT市场以契机。
2021年8月，英国奢侈品牌Burberry与 游戏 平台Mythical Games合作，在海外市场推出了"Blankos Block Party"系列限时限量NFT商品，包含“Burberry Blanko” 虚拟形象、NFT外套配饰和NFT鞋履等。
一个月后，巴黎世家又与 游戏 平台Fortnite合作，为 游戏 中的虚拟角色Doggo（一只可以直立行走的狗）设计了NFT卫衣、裤子和鞋子等等。这些NFT商品的发售形式包括预售、限时发售或开放二级市场转售。
接着想象这样一个场景：你带着AR眼睛，走在上海黄浦江边，看到江对面高档写字楼的户外广告牌上有这只可以直立行走的狗Doggo，它像在 游戏 里面一样可以随意走动，穿着可以发光或者燃烧的巴黎世家设计的NFT衣服，蹦蹦跳跳地引导你一步步找到南京西路上的巴黎世家线下专卖店。
对于这些，响沙的妻子杨小溪告诉界面 时尚 ，“奢侈品牌如果真的去跟一些 游戏 平台合作，我还是很愿意去买的。虽然元宇宙里面的奢侈品NFT衣服我摸不到，但是能让全世界看见，大家就肯定会买。”
奢侈品NFT能够帮助买家在虚拟世界完成身份构建和社交工作。由于每个奢侈品NFT都是独一无二的，它准确地记录了在“元宇宙”里的买家身份和版权归属，相当于把现实世界中奢侈品的独特性和稀缺性较好的复制到元宇宙内。
从这个角度看，奢侈品公司通过 游戏 等平台发售NFT商品，更像是开辟了一个全新的渠道售卖品牌产品，只不过这个渠道是基于区块链技术的，而所售的是“上链”的数字商品。
“这就相当于你看到一个好看的包包，到电商里面去查，发现仅此一款，而且拥有者是某某，这种情况下其实面子是给足了的，里子我都可以不管。” 从买家的角度看，杨工认为，购买奢侈品NFT在逻辑上与当前市场上最为火爆的那批NFT艺术画作有异曲同工之处。
许多人买NFT还看重其作为数字藏品背后的增值空间和潜力。响沙和杨小溪是一对95后夫妻，两个人进入NFT市场不到两个月，他们的目的很明确，“就是为了赚钱。”
2021年最火爆出圈的NFT商品无疑是那个“猿猴”画像系列。这个NFT系列画作名为Bored Ape，购买该项目NFT的名人明星有很多，其中一个Ape NFT被NBA明星斯蒂芬·库里以18万美元（约合114.69万元人民币）购得。很多NFT商品或藏品在海外市场卖出了令人瞠目结舌的价格，这背后往往有名人、明星的加持。
名人明星自带粉丝效应，他们买入某件NFT商品往往会引来更多人的跟进。在这方面，奢侈品牌占据先天的优势。杨小溪就坦言，比如Burberry推出了NFT产品，她就不会去买，因为她不是品牌的粉丝。“但我可能会去冲其他牌子的（NFT）。”
因为奢侈品牌已经具备极高的知名度和品牌号召力，品牌进入NFT市场的行为能够带动一批粉丝进入和追随，理论上能进一步推高某个奢侈品NFT的市场价值。
而且，奢侈品在真实世界中的藏品价值已经得到激活，因为他们背后有早已形成的二手和古董市场。“像一些小品牌，你说他发了（NFT）谁在乎？”杨工认为，“奢侈品就是介于实用和艺术之间的一个东西，它靠得很近。”
一些奢侈品才小试牛刀，就已经在NFT市场显露了数字藏品的价值。
比如，古驰在2021年5月跟 游戏 UGC平台Roblox合作，推出了其明星产品Dionysus酒神包的数字限量版，定价6美元。之后，这款虚拟酒神包在二级市场以4115美元（约合26200元人民币）的价格转售。值得注意的是，古驰并未参与这款虚拟产品的收益分成，而这款数字酒神包还不是严格意义上的NFT商品。
到了今年6月，前文提到的古驰NFT艺术短片就在佳士得以2万美元（约合12万元人民币）的起拍价，2.5万美元（约合15.93万元人民币）的成交价卖出。
杨小溪特别喜欢用“冲”来描述自己和丈夫买NFT的状态。
为了“冲”到一个NFT项目的“白名单”，杨小溪和响沙曾经按照要求，在预售阶段画几幅画来赢得艺术家的“欢心”。因为一旦进入“白名单”，他们就可以在开售之后以最低的价格买入这个艺术家的NFT画作。
“现在这个圈也比较卷，大家都在画画。”杨小溪告诉界面 时尚 ，大家都在抢“白名单”，竞争越发激烈。
这进一步激发了杨小溪的创作神经，“像我们是真的在画画，但也有人会去找代笔，我只能开始画动图了。”
最后，杨小溪创作了一个狐狸版超级玛丽顶蘑菇的动图。“那个项目的一个管理者非常喜欢，就给了我们一个白名单。”
“冲白名单”的目的是为了最小化NFT投资的风险。
响沙告诉界面 时尚 ：“我很少在 级市场倒买倒卖，主要是在一级市场拿到‘ 名单’，以最低价格买入NFT之后在 级市场上卖出，进而最 化我的风险。”
不可否认，NFT市场目前存在严重的投机行为，泡沫滋生。在艺术领域，不少批评者认为，许多上链的艺术作品平庸，最后却以高价售出。粉丝效应助推了NFT市场泡沫，让不少不明就里盲目跟进的普通玩家损失不少。
“区块链是 个很好的技术，”杨工在整个市场看到的是，“但现在的趋势在于，它出圈是因为价格 。所有 涌进去，但是很多人没搞懂它具体是什么，然后亏了。”
有趣的是，NFT市场的交易过程与模式，像极了另一亚文化——街头 时尚 ——的营销模式。众所周知，街头潮牌惯用“drop模式”来限时限量销售商品。
其营造出的商品稀缺性和心理紧迫感，催生了众人哄抢的销售场面，潮牌粉丝们经常连夜排长队就为了抢购限时限量发售商品。衍生而来的还有“炒鞋”等一系列行为，一些买家会在二级市场转售抢到的预售商品。
不仅如此，街头潮牌的社群文化十分强大，品牌粉丝还会在社交媒体上自发生产许多与潮流服饰有关的内容，助推品牌发展和巩固社群。
“冲”NFT商品购买白名单的过程，无形中也让买家参与了“元宇宙”的构建。“其实是需要努力才能得到的。”杨小溪告诉界面 时尚 ，“当我得到画的时候，我会更有收获感，因为毕竟是我劳动所得，然后还有一些运气。”
这也进一步解释了为什么，即便NFT市场当前争议很多，而且未来发展也有诸多不确定性，但传统奢侈品仍然不得不认真审视“元宇宙”概念下的NFT的巨大潜力。
“元宇宙”概念如今已经形成一种崭新的亚文化现象，其参与者几乎是Z世代甚至之后出生的年轻人群。新冠疫情造成的远程办公、花更多时间在社交媒体和线上会议中，让更多人正视现实世界与虚拟场景的交互和应用，参与构建“元宇宙”正被年轻一代认真考虑。
因此，就像前几年对街头 时尚 这个亚文化进行挪用和收编一样，需要触达更年轻一代的传统奢侈品公司现在必须积极参与这场“元宇宙”的“新文化运动”，而其当前所做的一切都意在理解这种21世纪最新的技术语言，然后挪为己用。
“这一切都与文化有关，NFT正在经历一个文化时刻。”Burberry渠道创新全球副总裁Rachel Waller此前在Vogue Business采访中就提到，“（在 游戏 中发售NFT商品）更重要的是了解这个文化、技术，以及进行对话......实际上了解该文化，以及你如何运用技术来与之关联，这才是最核心的点。”
奢侈品行业也清楚当前推出的NFT与现实生活是缺乏关联，运用场景也有限。12月初，巴黎世家首席执行官Cédric Charbit在伦敦的一场公开活动中曾坦言，“（数字 时尚 的）实用性是缺失的，但它每天都在进步。”
不过，虽然现阶段存在这样那样的问题，但投资银行摩根士丹利（Mogan Stanley）在近期发布的一份研究报告显示，到2030年奢侈品NFT交易额将达到近200亿美元，其在整个NFT市场的规模占比也将从2021年的1%上升至8%。
（应采访对象要求，响沙、杨小溪、雨果、杨工均为化名。）
⑥ 时尚圈凭什么gucci这么火，难道它服装风格是共通的吗
当试图理解 Gucci，我们不妨将 Gucci 创作总监 Alessandro Michele 那幢位于白露里治奥——这座小城曾是宫崎骏笔下 “天空之城” 的原型，古宅的模样和其中来自全球各地琳琅满目的古董收藏视作今天 Gucci 创意视界的一种微缩。
在这种风格下持久不衰的拥有热度的Gucci，不火也是很难的吧！我是这样认为的，你呢？
⑦ 叱咤风云，香奈儿、古驰那些执掌潮流方向的时尚设计大佬
时尚 大牌就是女人们的半个江山
而在江山背后执掌的便是那些大牌的 时尚 总监们
他们或灵动肆意，或崇尚自然
而他们的设计理念
推动了整个叱咤风云的 时尚 界
谈起香奈儿人们的第一直觉是永远高雅、简洁、精美的风格。Coco Chanel的格言“风格永存”，简洁优雅的基因一直流淌在香奈儿的品牌血液里。
NO.1
Coco Chanel
在五花大绑中解放女性身体
说Coco Chanel一手主导了二十世纪前半叶女人的风格、姿态和生活方式并不为过。
她善于突破传统，早40年代就成功地将“五花大绑”的女装推向简单、舒适。
维多利亚风格/爱德华时代女性着装
香奈儿所设计的女装
Chanel提供了具有解放意义的自由和选择 ， 将服装设计从男性观点为主的潮流转变成表现女性美感的自主舞台。
抛弃紧身束腰、鲸骨裙箍，提倡肩背式皮包与织品套装。
无论是带有强烈男性元素的运动服饰、两件式的斜纹软呢套装、打破旧有价值观的人造珠宝、带有浓郁女性主义色彩的山茶花图腾，都能展现出屡屡挑战旧有体制创造出来的新的 时尚 。
NO.2
Karl Lagerfeld
加入年轻元素，崇尚优雅自然
Coco Chanel逝世后Chanel萧条许久，墨守成规持续消磨着昔日 时尚 巨头的活力。直到1983年德国设计师卡尔·拉格菲尔德成为香奈儿品牌的总设计师，将香奈儿的时装推向另一个高峰。
卡尔·拉格菲尔德被称为时装界的凯撒大帝。
他提倡复古摩登美学， 在保持香奈儿简朴优雅风格的前提下增添活泼趣味，使之变得更加年轻、现代和成熟。
卡尔拉格菲尔有着自由、任意和轻松的设计心态，他将原来的黑色、米色等无彩色系转变为艳丽色调，并缩短裙长以露出膝盖。
摇滚、运动等元素的注入使他在貌似原汁原味的同时带入自己的风格，让人耳目一新。他总把两种对立的艺术品感觉统一在设计中，既奔放又端庄如神来之笔。
另一个不得不说的便是新颖的秀场主题与别具匠心的布景。无需多言，只需回顾历年秀场设计就可以感受到堪称大型艺术表演的Chanel秀场。
Gucci建立于1921年，经历三代人的血雨腥风，在1995年结束家族经营模式。彼时Gucci陷入家族内部争斗市场份额大幅缩减，品牌形象急需整顿。
NO.1
Tom Ford
将性感带入慵懒
1994年Gucci迎来了品牌史上的重要关键人物—设计师Tom Ford。
Tom Ford入主Gucci后大胆地赋予了品牌崭新的摩登性感形象，展现恰到好处的慵懒与颓废面貌。
此外，他亦更新了品牌的广告策略，以充满争议的性暗示氛围，紧抓话题焦点，重塑了品牌的市场定位，不但扭转了当时所面临的销售困境，让原本走在衰亡之路上的Gucci起死回生，一跃成为当时举足轻重的摩登代表。
NO.2
Frida Giannini
将gucci带入优雅时代
设计师Frida Giannini于1995年正式执掌Gucci，并且带领Gucci迈向了下一个十年，这段时间被大家称为优雅时代。
Frida原先是Gucci配饰设计师，擅长以女性视角优雅诠释品牌 历史 中的瑰丽经典。
马衔链、双G Logo图腾和红绿直纹饰带，于她的设计中一再被翻玩；女人味十足的衣型线条则留有Tom Ford时期的现代、性感。
NO.3
Alessandro Michele
复古文艺，大胆反叛，推广极繁主义
Alessandro Michele颠覆了大众以往对Gucci的认知。
就像是Michele在笔记中谈到的：“每件服装都颤动着智识的张力，抗衡着制式。这是一场对墨守成规的反叛，争取差异是种不可剥夺的权利。”
Michele对时装设计的概念更像是他信手拈来的灵感剪贴板，充满趣味性与各种可能。
过去成熟的风格被年轻的设计取代，复古、文艺、超现实甚至古怪的气息则萦绕于每一季作品中，而极繁主义的表现手法也愈演愈烈。
其复古美学的主张备受千禧一代追捧，属于Gucci的新时代自此在时装界诗人Alessandro Michele的带领下华丽展开。
NO.1
Hubert de Givenchy
赫本风，优雅永存
1952年2月2日Hubert de Givenchy首度在巴黎推出个人的作品发表会。
在这场以白色棉布为主，辅以典雅刺绣与华丽珠饰的时装展中，他的创意才华令在场人士惊艳不已，同时也奠定了纪梵希在时装界的尊崇形象。
几十年来品牌一直以“优雅的风格”而着称于世。
NO.2
Riccardo Tisci
加入混合元素，追求年轻时髦
Riccardo Tisci于2005年赴任，并放弃了他的几位前任的高调的奇幻设计。Riccardo Tisci主张精致的剪裁，数码印花以及宗教元素等等。
他钟爱动物及动物纹路，如2010春夏的斑马纹，2011春夏的豹纹，还是2011秋冬的罗威纳犬，2013秋冬的杜宾犬；他也让铆钉元素大放异彩，让纪梵希成为年轻消费者的宠儿。
NO.3
Clare Waight Keller
回归优雅细致，简洁大方
2017年英国设计师 Clare Waight Keller 从 Chloé 跳槽到Givenchy，成为纪梵希的第一位女性艺术总监。
她接手了男装和女装，并在2018年1月推出她入行以来第一个高级定制时装系列，使Givenchy时隔八年重回时装周。
Clare主张去街头化，将纪梵希一如既往的优雅与自身偏爱的简洁风格结合，主张细致设计与精心剪裁，以极简彰显女性的优雅，推出一系列惊艳之作。
时间退役她得到来自皇室的认可——为梅根·马克尔和哈利王子的婚礼设计婚纱。
NO.1
Christian Dior
经典New Look的诞生
1947年Christian Dior推出第一个时装系列， 名为“新风貌”（New Look）旨在重建战后女性美感。
该风格打破了第二次世界大战后女装保守古板的线条，Dior改进裙长为不再曳地，并强调女性隆胸丰臀、腰肢纤细、肩形柔美的曲线，打造沙漏裙。
随后又在1951年用硬衬布设计出椭圆形的廓形，在1953年推出郁金香造型，1954年推出垂直造型。
NO.2
Yves Saint Laurent
打造别致廓形，加入异国元素
1957年到1960年1958年的首次时装秀就展示了带有窄肩设计的及膝摇摆裙，并将该廓形称为梯形线条。
同时圣洛朗热爱东方异域文化，将不同的民族元素带入Dior的设计中去。
NO.3
Marc Bohan
飘逸感材质和花卉元素，展现性感魅力
Marc Bohan是Dior任职最长的服装设计师，1961年Yves Saint Laurent入伍Marc Bohan临危受命为Dior设计总监，直到1988年。
他擅长使用具有飘逸感的材质和立体感的花卉元素来展现女性的性感魅力。
NO.4
Gianfranco Ferre
大气廓形，优雅性感
Gianfranco Ferre将简约大气的廓形裁剪带入Dior品牌, 他钟爱夸张的领型、袖口以及蝴蝶结结构来装点女性着装，为Dior带来一种冷峻而又不失优雅性感的魅力。
他所设计的系列在花花公子和文艺复兴时期做出了巨大贡献。
NO.5
John Galliano
将优雅大方的“new look”转为狂野奢华
1996年到2011年“海盗爷”John Galliano担任Dior设计总监，将优雅大方的“new look”转为狂野奢华。
在品牌年轻化的驱动下，海盗 爷 吸取东方风格与英伦狂野 ，贯穿整个设计时期的惊险、戏剧、疯狂与大胆为Dior打造不可复制的辉煌。
2004年的秋冬高级定制系列中，John Galliano复现辉煌浮华的维多利亚时期，夸张的羊腿袖、宫廷印花、宝石珠宝纷纷登台，模特甚至被加冕带上女王头冠，奢华至极。
风靡多年 时尚 不减的马鞍包也是John Galliano的杰作。
NO.6
Bill Gaytten
层次细腻，精于调和
相对于John Galliano原有的张狂和戏剧感染力，Bill Gaytten的设计更具商业吸引力，他注重对于细腻的层次效果以及轻薄材质间的拿捏，将素雅与性感相调和。
NO.7
Raf Simons
重回庄重优雅时代
Raf Simons更推崇极简风格和实用主义，让Dior的风格回归最初的优雅和庄重，同时增添了现代女性的摩登感。
他将品牌回溯到Dior先生的时代，将花卉、纤细腰型等DNA元素重新带入到年轻群体的 时尚 消费，简约廓形搭配魅力细节的设计手法以及柔和配色，为Dior增添了几分仙气。
NO.1
Yves Saint Laurent
打破女性禁忌，大胆启用中性风
反叛、大胆，甚至惊世骇俗是大众对圣罗兰的初印象。
不论是为香水取名black opium还是启用黑人模特，又或者推出世界上第一支真正意义上的纯口红，都宣扬着他的特立独行。
他既师承法国高级时装的精髓，也勾勒出以全球流行文化为灵感的更现代的时装设计，创作出蒙德里安裙、波普风、吸烟装等一系列经典。
他鼓励女性打破禁忌，大胆释放自己，寻找属于自己的风格。
Yves Saint Laurent说： “Chanel解放了女性，而我赋予她们权力。”
NO.2
Hedi Slimane
前卫摇滚，暗黑反叛
2012年Hedi Slimane担任YSL男装的创意总监。他大刀阔斧地把Yevs Saint Laurent改成了Saint Laurent Paris，虽然得到了品牌的支持，但也引来了很多不满。
他在四年任期内的前卫做法推动了品牌的摇滚精神，并复兴了其高定时装系列。
星星、亮片、格纹、皮裤、机车夹克和渔网袜这些鲜明的标志与YSL传统风格的结合使设计更加贴合千禧一代，颓废反叛的摇滚青年形象帮助品牌全面年轻化。
NO.3
Anthony Vaccarello
强势性感，致敬经典符号
Hedi离开后接任YSL的是毕业于比利时La Cambre设计学院的时装设计师Anthony Vaccarello。
他的作品中更多的是一种意大利时装般的强势和性感 。他在廓形上追求结构的严谨和贴合身材的版型，黑色则是他最爱运用的颜色。
不同于Hedi的激烈与张扬，Anthony的作品细腻丰富，裁剪精良，追求法式时髦。
皮质胸衣、经典的smoking、80年代风格的夸张肩部设计以及恰到好处的裸露，无一不是对品牌经典符号的致敬，因而有 时尚 评论家称赞“Yves回来了”。
Jonathan Anderson
英式矜持，中性美学
2013年Jonathan Anderson出任Loewe创意总监。
在他的带领下，罗意威重新定义了其延续了168年之久的传统手工艺和创新精神，在保留传统的基础上以崭新的面貌开启品牌的未来。
罗意威以制作顶级皮件闻名全球，其产品一直受早期占领西班牙的阿拉伯人传统风格影响。
如今在Jonathan Anderson的创意指导之下，罗意威自创立以来的核心价值——工艺、创新及无与伦比的皮革制作工艺得到了重新演绎，并将现代 时尚 与文化意识融入其中。
Anderson首先将Loewe的logo进行改造，使其变得更骨感、轻灵与 时尚 。
紧接着他又推出了一款由40块顶级头层皮拼接成的Puzzle Bag，让他奠定了在罗意威无法撼动的 时尚 地位，也让罗意威真正的起死回生。
Anderson凭借天马行空的想象和中性美学理念弥补了Loewe成衣上的短板。西班牙传统风格的明快热烈与英式矜持碰撞，迸发出新的活力。
Anderson坚信性别区分的存在不应该束缚衣服本身，男女服饰也不应该存在有清楚的界限，衣服最终是服务人本身。
而从2013年起，Loewe的广告大片基本以“二重奏”的双人组呈现，一男一女，或者似男似女，均诠释相近或者同样的时装，开启了Loewe的中性时代。
Anderson手中的Loewe是联系了“过去、现在与未来”的思路，是保留了其皮具匠心的，虽然存在了不少变化，但是Loewe的品牌精神一直都在。
Phoebe Philo
极简主义，干练冷静
有句话这样说——“Chloe girl是半熟女孩必经之路，Celine women才是摩登女郎终极目标。”
Chloe
Phoebe Philo担任Celine创意总监的时期成功地将Celine打造成一个sophisticated摩登酷女人的品牌形象，将极简穿搭和实用主义带向新高度。
正如Phoebe对自己风格的定位——"Powerful and Strong—a kind of contemporary minimalism"。Phoebe着眼女性的力量与强壮，以干净的裁剪、大廓形、冷静展现出一种现代极简主义风格。
利落干练、色彩细腻、不失棱角，Phoebe Philo执掌Celine的时期所塑造的风格被称为极简十年时代——也是Celine的黄金十年。
Maria Grazia Chiuri
& Pierpaolo Piccioli
浪漫复古，仙气十足
2008年Maria Grazia Chiuri 与 Pierpaolo Piccioli作为黄金搭档被任命为 Valentino的联合创意总监。
他们的设计轻盈、优雅、充满文艺复兴式的浪漫色彩，一直带着仙境般的浪漫和富有张力的设计风格。二人对薄纱、刺绣、纹饰等元素的运用得心应手，工艺之美干净纯粹。
看了这么多“兴风作浪”的创意总监
与他们的高光时刻，
你有没有钟意的风格呢？
无性别主义 时尚 异军突起！ 时尚 真的有男女之分吗？
美人是怎样炼成的？大众的审美依靠哪些法则？
⑧ 金钟仁广告，倪妮、金钟仁演绎古驰2019-2020秋冬眼镜广告形象大片
古驰发布2019全新秋冬眼镜广告形象大片，阐述创作总监亚力山卓·米开理（Alessandro Michele）对自我表达理念的推崇和热爱。人类的面部表情往往可以传达自我内心的情绪变化。广告大片以简单的肖像照形式呈现，独一无二的面部表情却呈现戏剧般的张力，仿佛诉说着各自内心的生动故事。
该广告大片由电影制片人兼摄影师Harmony Korine掌镜（此前曾在庞贝和赫库兰尼姆拍摄古驰2019早秋系列型录），并由倪妮、金钟仁分别倾情演绎。
品牌代言人，中国演员倪妮连续6季倾情演绎古驰眼镜广告大片，此次突破自我，展现全新摩登形象。而作为首位出镜古驰眼镜广告的男性品牌代言人—韩国歌手、演员兼舞者、EXO成员金钟仁也以独特魅力展现品牌不拘一格的时尚态度。
广告大片中，倪妮佩戴两款全新圆形眼镜。其中太阳眼镜采用超大金属镜框设计，搭配品牌标志性的人字形镜腿，散发70年代的复古气息，灵感源于品牌典藏的珊瑚蛇条纹元素则丰富了眼镜的整体造型设计。另一款金属圆框光学眼镜精选珊瑚蛇元素，以珐琅润饰于超大镜框和人字形镜腿处，搭配饰有双G互扣标识的铰链以及功能性的板材镜脚。
金钟仁则演绎了两款俊朗有型的派对达人风格眼镜。其中一款太阳眼镜以独特的色彩与材质组合重新诠释品牌织带纹理，金色金属镜腿上饰以玳瑁、牛角和珍珠母贝效果装饰，品牌标识和复古风格金属镜脚更为此款眼镜的现代设计注入精致内涵。另一款光学眼镜饰有相同的品牌织带图案（由玳瑁、动物角、珍珠母贝效果，搭配金色金属饰件打造），镜腿饰有品牌标识，并搭配复古风格的金色金属镜脚。
创作总监： 亚力山卓·米开理
艺术总监： Christopher Simmonds
摄影师： Harmony Korine
发型师： Alex Brownsell
化妆师： Thomas de Kluyver、Gao Jian
⑨ 《理解奢侈品》：从时尚到艺术，来看看那些关于奢侈品的前世今生
早在1986年，帕特里克·格兰维尔的小说《风暴天堂》就已经带领读者进入了奢侈品世界的深处。小说中妇人们华美的百态、纵情声色的欢宴、为享乐谱下的一曲曲颂歌，犹如一幅图画，完美地描绘出奢侈品、 时尚 与艺术在激荡的爱中热情缠绵。
很多人带着批判的眼光去看待奢侈品，认为它是铺张浪费、高调炫富的代名词。然而实际上，奢侈品之所以能够得到长足的发展，是因为它们既不属于昨天，亦不属于今天，而是坚定地眺望着明天，为各地纷至沓来的客户服务，并与 时尚 和艺术有着千丝万缕的联系。
1855年，“ 时尚 ”一词在法国作家马克西姆·杜坎的笔下首次出现。1851年，杜坎陪同古斯塔夫·福楼拜漫游尼罗河岸。回到巴黎后，这对好友联合写成了世界上第一本配有照片的旅行游记《尼罗河》。四年后，马克西姆·杜坎发表了一本诗集，以《现代性之宣言》作前言。在文章中，杜坎盛赞了美学对于新兴技术的重要意义，并创造出了“ 时尚 ”这个词。
19世纪，英国人查尔斯·弗雷德里克·沃斯移居巴黎，开始了自己的高级时装定制事业，从那时起，“ 时尚 ”便成为奢侈品的第一种表达方式。
在那个时代，需求长期凌驾于供应之上，手工艺艺术家处于绝对的被动地位。意大利文艺复兴时期的画家、雕塑家和建筑师们均须对赞助人的要求言听计从，而最为着名的赞助人便是费拉拉和帕多瓦的艾斯特家族、米兰的斯福尔扎家族和佛罗伦萨的美第奇家族。在当时，艺术家都需要按照赞助人的订购要求来进行工作，他们的命运和生计完全取决于赞助人的意愿和资产雄厚程度，一旦赞助人有需求，他必须随叫随到。
作为第一位现代意义上的定制服装设计师，沃斯将旧时的从属关系彻底反转，供应一举颠覆了需求的地位。1858年，沃斯推出了他的第一个时装系列，并决定让真人模特穿上各款设计，在他的店内进行表演。此举迅速获得了成功。无论顾客是多么尊贵的名媛，就连欧仁妮皇后和马特里希公主都不得不亲自移驾拜访。
如此具有影响力和示范性的代言人，将沃斯的设计大范围地传播开来，他店里的一条日常裙装价值1000法郎，一素礼服裙装价值1500法郎，如此高昂的价格，只有上层资产阶级和贵族能够消费得起，购买这些昂贵的衣服，成了女性对外展现自己的 社会 位及其身边男性的强大财力的表现。从那时起，高级服装定制成了奢侈品的雏形。
有了沃斯这位杰出的先驱，一代又一代后人登上了 历史 舞台。保罗·波烈在他的设计中摒弃了紧身胸衣，赋予服装更大的灵活性，缩短了裙摆的长度，并创造了首款高级香水Rosine；20世纪30年代，嘉布丽埃尔·香奈儿手下员工达4000人；艾尔莎·夏帕瑞丽从达利的画作中找到灵感，引起了新一轮的 时尚 。到第二次世界大战为止，高级定制一直扮演着双重角色，既在 时尚 领域的创新设计上起到了先锋的作用，也见证了奢侈品最独特、最具炫耀性的一面。
时代在发展，到了21世纪， 时尚 界的发展速度已超过了高级定制的前进步伐。在 Topshop、H&M、Zara等快 时尚 国际品牌一统天下的今天， 时尚 早已步入街巷，款式每月翻新数次，这样的更新频率，是高级定制的手工作业所无法企及的。自此，高级定制不再是 时尚 领域的先锋，而是走下奢侈品业的至尊宝座。
时尚 在现代奢侈品业内的不期闯入，以两个时间点为标志。第一个时间点是1994年。这一年，汤姆·福特被任命为古驰品牌的艺术总监。当时，来自佛罗伦萨的古驰困于集团内激烈的子品牌竞争中已有数年之久，它在北美和意大利的业务之间也在拉扯不休。古驰传递的奢侈品风格早已过时，因设计造成的亏损显而易见。汤姆·福特采取了彻底转型的策略，使品牌走向年轻化。他将施虐、情色主题的颓废风格融入产品设计，并将古驰在世界各地的专卖店的商品保持完全一致，使品牌身份更易识别。
第二个时间点是1997年，法国箱包品牌路易威登请到了一名投身纽约 时尚 风格的年轻设计师马克·雅可布担任艺术总监，当时这位设计师的同名品牌正以特立独行的单品着称，其设计灵感来自当时最为 时尚 的垃圾摇滚乐。由此， 时尚 正式闯入奢侈品世界。诸多大众熟悉的模特、电影明星和公众人物都为品牌的年轻化和潮流化贡献了力量。
时尚 对于奢侈品产生了决定性的影响力。从箱包和鞋履开始，路易威登的客户们很快将他们的配饰视为 时尚 流行单品，毫不迟疑地更新换代。而快 时尚 的即时性和低售价，与奢侈品的持久性和难以企及的高售价形成了鲜明对比。快 时尚 缔造着越来越大的成功，直接导致 时尚 界与奢侈品界这两个领域渐行渐远。
说到“艺术”，无论是造型艺术、视觉艺术还是动态艺术，它们之间并无清楚的界线，仅仅聚焦于对美感最纯粹的寻索，随心所欲地发挥，并始终和奢侈品彼此强化。
奢侈品一直以来都以艺术为灵感之源。同样是在20世纪70至80年代间，艺术品赞助人都偏爱在本人无须参与具体运作的情况下，对艺术展览、博物馆和基金会提供资金支持。而在那时，当代艺术仅仅吸引着极少数的专业人士，普通大众只满足于瞻仰正统派的艺术，观赏学院派作品。
1984年，这种对于正统的追求和对于经济衰落的漠不关心依旧明显。这年，阿兰·多米尼加国·贝兰为卡地亚品牌创立了一家当代艺术基金会，但与此同时，他不允许品牌让基金会的艺术家参与商品的设计。阿兰·多米尼加国·贝兰想要为卡地亚和它的审美理念、设计风格理念规划未来，希望在避免俗套的前提下使当代艺术更受欢迎，因此，在他的推动下，一个由的1500件作品组成的设计系列，在建筑师让·努维尔设计的某座建筑物内展出。自此，奢侈品品牌成为直接涉足艺术界的弄潮儿。
艺术始终启发着奢侈品业，奢侈品品牌请艺术家来定制产品，就可以让产品变得独一无二。2003年开始，路易威登接二连三地和村上隆、理乍得·普林斯、丹尼尔·布伦联手设计新品，让包款立刻焕发现代感，被赋予一层附加价值，引起公众的好奇，促成销售点的一笔又一笔交易。尤其是2012年与草间弥生的合作，实现了七家概念店的开张，而这七家店全部位于标识性的奢侈品百货公司内，例如巴黎的春天百货商厦、伦敦的塞尔福里奇、东京的伊势丹新宿店等。
艺术与奢侈品的关系，早已不仅仅是艺术影响奢侈品业，而是奢侈品业也反过来影响艺术本身和艺术家们。艺术家们受邀为品牌进行创作，而这些创作同时也被品牌用以纪念某些曾经的独家作品。
然而无论是对“纪念物件”进行的再创作，还是制作一部视频、打造一个装置艺术或行为艺术作品，对于一位艺术家而言，他面临的困局就是在被新合作伙伴的名望冲昏头脑之后，他与自己的艺术理念渐行渐远，转身听命于品牌。这是因为在奢侈品和当代艺术之间，会无法避免出现一些元素的混合，但年轻的艺术家很容易被奢侈品的魅力所迷惑，从而撇下自己的身份定位。就这一点来说，奢侈品品牌有义务在两个领域之间划游界限，避免侵犯艺术界的领土，并使艺术家在与其合作结束之后，得以立即回归本行，用毫发无损的表达手法继续进行创作。
1980年之前，奢侈品品牌的经济影响力尚属有限。它的客户虽然都是家财万贯、声名远扬，并共同形成了一个独特的 社会 阶层。但是小圈子很封闭，客户所有的任性与苛求，都只能通过向供应商的订购来满足，因此宝诗龙、卡地亚、爱马仕、路易威登这些最负盛名供应商对自己能为这样的客户服务而自豪不已。
20世纪80年代至1995年，奢侈的发展速度比全球经济的发展速度高出三倍。在收购了一批最具辨识力的品牌之后，路威酩轩、巴黎春天等一些奢侈品集团随之形成，在它们的推动下，奢侈品领域脱离了原先的手工艺经营行业的定位，正式成为一大产业。从另一个层面来说，奢侈物品已被摒弃，取而代之的是奢侈商品，比如博人眼球的新款系列、亲民的经典系列的衍生品等等。这些延伸商品让品牌迎来了暴增的新客户，尤其是来自北美和亚洲的客户。
1995到2001年，奢侈品品牌不再满足于单纯的产品销售，而开始重视树立与众不同的形象了。于是，市场上便出现了一些别样的广告宣传，有意地触犯禁忌，时而把受道德谴责的行为搬上荧幕，时而向色（和谐）情片取材。与此同时，在 时尚 界、 娱乐 圈和街头找寻品牌代言人的做法也越发常见。奢侈品有了新的目标客户，它比先前的涉及面更广、更年轻，也有了更为出色的销量。
2001到2008年，享乐主义的价值观扶摇直上，众多奢侈品品牌借着这股“追逐快乐”之风，开始向酒店、高级Spa中心和各类 养生 会所延伸。以阿玛尼为代表的设计师纷纷投资家具、装饰等家居领域；菲格拉慕家族也在托斯卡纳的村庄里实现了它对奢华酒店业的兴趣。限量版商品、独家门店网络、品牌杂志、精致的官方网站、个人化的服务、上流 社会 式的活动等等，都让他们高昂的售价变得有理可据。
2009年发生的重大经济和金融事件成为一场全球危机。在这种环境下，奢侈品迫于强势的全球化，只得选择推进品牌业务。这两年代表着奢侈品名副其实的中断时期。被视为现代奢侈品业的结束。
到了互联网领导一切的今天，一些奢侈品率先开设了独立的官方网站，从那以后，整个行业开始明白，他们必须品牌淡化的危机，也必须将网络声誉视为最重要的东西，并且也接受了频繁遭受剽窃和与网络假货抗争的命运。由此，奢侈品进入了一个前所未有的转型时代。
在奢侈品业的世界全景图上，亚洲占有着独一无二的位置，主要由文化、经济和人口三大因素造成的。奢侈品意味着一个人在 社会 中的位置，印度人、中国人和日本人，都是如何看待奢侈品的？这些亚洲奢侈品客户，究竟是什么样的人？
印度：关锁的国界
1928年，印度帕蒂亚拉王公携9000余颗珍稀宝石驾临宝诗龙，请珠宝世家打造一套由149件作品组成的首饰系列。他还与卡地亚签下了一张订单，定制了一条饰有2930颗钻石的项链，华丽非凡，并在项链的中心镶上了一颗重达235克拉的稀世黄钻。20世纪初，印度的王公贵胄，把最珍贵的宝石托付给了巴黎旺多姆广场的珠宝商们；而当时的珠宝商也为客户制作出了各种令人惊叹的绝世佳作。
直到今天，印度有55名身家超过10亿、约30万名身家百万的富豪，对他们来说，奢侈品是家财万贯、衣食无忧的象征，丰厚的财产被视为对几轮有功前世的回报，荣耀非常。因此他们炫耀财富，2004年，富豪拉克希米·米塔尔为女儿在法国的凡尔赛宫举办了婚礼，预算超过了5500万欧元。
尽管如此，在印度的西方奢侈品品牌很少，全国只有5家古驰分店，3家路易威登精品店，2家爱马仕分店和1家卡地亚分店。而且这些分店都没有开设在购物中心，只是在专门招待国际客户的豪华酒店里谋求栖身之所。
中国：奢侈品业的新发展
19世纪中叶以前，中国始终是全世界最大的经济体。随后，中国虽然错过了工业革命的班车，但只用了不到40年的时间，就成为世界工厂。
中国的消费文化里，有着对奢侈品极度强烈的渴望。一些中产阶层的女性会毫不犹豫地花费四个月的工资，只为买到一款贴着商标的手提包，生活清苦也无所谓。正如这句带着讽刺的网络流行语所言：“宁坐宝马车里哭，不坐自行车上笑”。
一些“白领”群体构成了庞大的新生客户群。中国人好面子，推崇的是一种可见的、表面性的、炫耀性的奢侈，他们以购买配饰为主，这其实是对 社会 压力做出的回应。不仅如此，中国人往往还通过买国外的东西来证明个人的好品位和 时尚 感。因此，奢侈品在中国有着极大的市场。
日本：恢复平静的武士
从20世纪70年代90年代初，在很长的一段时间里，西方奢侈品品牌的国际化策略青睐日本。正是日本的贡献，为卡地亚、路易威登、香奈儿、古驰和爱马仕带来了全球性成功。当时，这些品牌30%的年营业额常常是靠日本客户实现的。
在1985—1995年这“迷失的十年”，是通货紧缩和经济萧条的时期。而就在近年，日本又遭受了另一场持久的 社会 危机，在日元贬值的背景下，日本进入经济衰退。不过，42000美元的人均年收入，使日本依然位列世界最富有的国家之一，其百万富豪人数仅次于美国，排名全球第二未来奢侈品业的实验室。
日本国民中，超过60%的日本人认为奢侈品是“一种可靠的价值所在”。对他们而言，奢侈品首先是建立在经典传承上的一种工艺体现，而品牌要获得声誉，就必须在时间的长河中显示它创造顶级品质产品的才华。
总的来说，奢侈品是 社会 和人类发展的一个阶段性缩影，奢侈品的诞生和发展也具有极强的 历史 感，理解了奢侈品，就能够理解人类在 时尚 和艺术方面的发展，也能够理解各个国家的经济水平和消费意识，也只有这样，才能够以正确的态度对待奢侈品。